Ancien élève de musicologie à l’EHESS, Olivier Mantei a dirigé l’Opéra-Comique, codirigé le théâtre des Bouffes du Nord, et dirige depuis novembre 2021 la Cité de la Musique-Philharmonie de Paris. Nous revenons avec lui sur la manière dont la pandémie a transformé le monde de la musique, et sur les enjeux auxquels se confrontent les institutions culturelles aujourd’hui.

Nous voyons bien actuellement les répercussions dramatiques de la crise sanitaire sur l’art lyrique, pour les artistes, les techniciens, les budgets des établissements, etc. A titre personnel, comment avez-vous vécu cette période ? Voyez-vous quelque chose de positif qui soit sorti de cette crise ?

Tester, protéger, éloigner, masquer, informer, rassurer sans jamais remettre en question le projet artistique initial. La pandémie a exigé plus de labeur pour chaque action, plus de vigilance, plus de détermination. Il a fallu vaincre les peurs, faire en sorte qu’un artiste ou un technicien ne soit jamais irremplaçable ; belle leçon d’humilité pour chacun qui lorsqu’il n’est plus indispensable devient responsable et indissociable du projet collectif. Cette crise sanitaire nous aura appris à nous entendre plus vite, à décider, agir, et convaincre sans preuve. On gardera de positif la capacité qu’a été la nôtre de préserver autant que possible le monde d’avant dans l’utopie d’un monde d’après que l’on évoque déjà au passé.

 

Le bon fonctionnement d’un établissement culturel pose la question de ses ressources, alors que les marges de manœuvre budgétaires de l’État sont de plus en plus limitées. Qui est légitime à financer aujourd’hui l’art lyrique ? On voit se développer les initiatives de mécénat. Quel regard portez-vous sur cette évolution finalement assez récentes en France ?

La crise sanitaire a été inégalitaire, certains ne s’en sont pas remis, d’autres peineront durablement. Mais l’Etat français a été au rendez-vous de la culture bien plus que la moyenne des pays européens, bien plus que les Etats-Unis ou le Japon. Les marges de manœuvre budgétaires se sont réduites dans la dernière décade mais elles se sont ouvertes au moment le plus critique.

Malgré tout, les établissements culturels sont de plus en plus confrontés à des injonctions contradictoires. Ils doivent d’un côté maintenir l’ambition de leur mission artistique, favoriser la création la plus exigeante, mais aussi investir leurs moyens dans des sujets essentiels comme l’accessibilité, l’inclusion, l’éco-responsabilité, l’éducation. Parallèlement, on leur demande de démultiplier leurs ressources propres, qui nous le savons bien, peuvent parfois les éloigner de leur mission de service public. Le mécénat, tant qu’il n’est pas intrusif dans la feuille de route de l’établissement, est louable. On peut lui préférer les recettes de coproductions et de tournées qui ont l’avantage de mutualiser des objectifs et des intérêts communs à plusieurs structures de même nature. Et bien sûr, les recettes de billetterie sont toujours déterminantes dans l’équilibre financier des opérateurs du spectacle vivant, et on tend à les optimiser sous la pression des tutelles budgétaires. Mais ne nous méprenons pas, l’enjeu social du prix d’une place à l’opéra aujourd’hui compte plus que son enjeu économique.

 

Que faire de plus aujourd’hui pour atteindre l’objectif d’égalité démocratique face à la culture ? Il y a une objection du sens commun à cet égard : la « massification » d’un art s’accompagnerait nécessairement d’une baisse de son niveau. Comment concilier exigence artistique et ambition populaire au niveau de la réception ?  Le « théâtre, élitaire pour tous » qu’appelait de ses vœux Antoine Vitez est-il seulement possible?

C’est le paradoxe de 60 années d’administration culturelle avec un ministère en proie à un dilemme qu’il n’a toujours pas résolu, lui pas plus que ceux qu’il a sous sa tutelle : création et démocratisation, pour le dire vite, ne s’entendent pas suffisamment, et les fractures sociales sont encore vives. Le travail des collectivités, des acteurs de la vie culturelle, des éducateurs, des artistes est massif et porte son lot d’amélioration et d’espoir. Mais le compte n’y est pas. Peut-être faudra-t-il se résigner à abandonner la culture pour tous au profit d’une culture pour chacun, se préserver des effets de masse, du lissage des objets artistiques pour plaire au plus grand nombre, et préférer la diversité des cultures, l’intégrité des propositions quand bien même elles seront radicales, bref l’unicité mais à l’infini.

 

Pendant la période du Covid, il y a eu toutes les semaines des captations audiovisuelles en partenariat avec la télévision ou les réseaux sociaux dans beaucoup d’opéras et de théâtres. Cela a permis une augmentation considérable de spectacles vus sur ces offres numériques pendant la période du confinement. Le web et la scène digitale peuvent-ils participer de la démocratisation de l’art lyrique, selon vous ?

En diffusant ses créations en live sur les plateformes audiovisuelles, l’Opéra-Comique a mobilisé en un trimestre l’équivalent du public qu’elle réunit physiquement dans ses murs pendant dix saisons, le temps moyen de connexion a dépassé l’heure, et 66% des téléspectateurs avaient moins de 55 ans, soit le rapport inverse à celui que l’on recense dans nos établissements lyriques. En un clic, tous les buts d’une politique de médiation ont été atteints.

Ce nouveau public viendra-t-il dans nos salles ? Nous le vérifierons assez tôt mais devons constater que l’être vivant du XXIe siècle se virtualise autant que le spectacle du vivant et s’enferme dans la bulle de son smartphone. Espérons que les artistes sauront répondre comme ils l’ont toujours fait à ce que l’époque dit du monde réel et qu’ils susciteront le désir d’expériences partagées dans les lieux d’art et de culture.

 

Les jeunes sont aujourd’hui habitués à voir des contenus visuels très courts, à tel point que le problème de l’attention se pose urgemment dans les milieux éducatifs et les réflexions des penseurs de la pédagogie. Comment l’opéra peut-il attirer les jeunes aujourd’hui, alors que les représentations s’étendent sur des plages horaires considérables ? Quelle est la réponse de l’opéra à cette évolution « cognitive » imposée par les conditions techniques dans lesquelles nous évoluons aujourd’hui ?

Le virtuel en effet se conçoit ou se décompose volontairement en temps courts. Le spectacle vivant en revanche s’étend et ne se raccourcit pas. Mais pas plus qu’au cinéma ou devant un jeu vidéo. Donc la cause n’est pas perdue ; le temps peut s’étirer auprès de ces jeunes dès lors qu’ils y sont préparés et qu’ils sont captifs. La question ne relève pas uniquement de la médiation, de l’éducation, ou des moyens financiers. Elle est aussi artistique. Il peut y avoir sur un plateau d’opéra des contenus visuels à fort potentiel émotionnel, diversifiés, courts parfois qui installent l’illusion d’un temps séquentiel dans un temps long et qui forme les esprits les plus récalcitrants à de nouvelles plages horaires.

 

Entretien réalisé par Emma Carenini.